Estos días estuve caminando por Polanco, visitando diferentes showrooms que no pude visitar la noche de la exposición en la Galería ADN. Entre una gran cantidad de lugares donde se puede comprar mobiliario, estos 4 definitivamente se destacan por apostar al diseño mexicano.
Mi primera visita fue al recién inaugurado espacio de Pirwi. Los muebles encajan muy bien en la casona que los alberga, el interiorismo es sencillo pero resalta cada diseño y la atención del personal es sumamente agradable. Aunque fui antes del evento donde se iban a estrenar nuevos diseños, tuve la oportunidad de ver dichas piezas por Rodolfo Samperio.
Pirwi a logrado mucho en poco tiempo, y este showroom es una prueba del duro trabajo encabezado por Emiliano Godoy y Alejandro Castro. La colección incluye 80 objetos por 12 diseñadores, algunos ya con muchos años de trayectoria y otros más jóvenes (vean el post del talento joven de Pirwi).
También había una nueva lámpara por Emiliano Godoy que me pareció genial.
Mi recorrido continuó con la Galería Mexicana del Diseño, un espacio que a impulsado el talento nacional por casi 20 años. Lo interesante de esta tienda son sus continuas exposiciones especiales, en esta ocasión me tocó disfrutar los muebles de Muro Rojo y Le Porc Shop, dos propuestas frescas y de muy alta calidad.
Muro Rojo es un estudio de arquitectura donde Liz Gómez Coello, Germán Velasco, Jorge Medina y Alberto Burgaleta han venido trabajando varios proyectos de interiorismo que dieron a luz esta línea presentada en la GMD.
“Suite” es el nombre de esta colección/exposición, con una gran variedad de muebles que hablan de proyectos como el hotel Brick del DF y otros dos proyectos para un restaurante y un hotel en San Miguel de Allende.
En el piso de arriba de la GMD están los muebles de Le Porc Shop, una propuesta joven de Guadalajara que maneja una estética muy diferente a cualquier cosa que había visto antes.
Algo que realmente se aprecia en estas colecciones es la gran calidad de su fabricación. Le Porc Shop combina maderas solidas con pintura y otros acabados para crear muebles que gritan juventud en su diseño.
Esta propuesta de Paula Silva Ruvalcaba y Rodrigo Vázquez Guerrero definitivamente es un proyecto que le tenemos que seguir el paso y ver como evolucionan en los años a venir.
Continuando con mi paseo llegué a la tienda Metro Lofft con una sola intención: ver los diseños de Joel Escalona. Aunque en varias ocasiones se ha escrito de su trabajo en este blog, no había tenido la oportunidad de ver de cerca sus piezas, y con el grado de dificultad que propone su diseño.. era algo que me daba mucha curiosidad.
Aunque hay pocas piezas en este espacio (tengo entendido que son de producción personal) acaparan toda la atención. La calidad es excelente. En especial me gusto el librero MYDNA.
Justo enfrente de Metro Lofft se encuentra el showroom de Ezequiel Farca, otro diseñador que ha estado produciendo con mucha calidad desde hace varios años. Hay mucha variedad y muchos estilos que me dificultan definir su trabajo.
Los cuartos del showroom están impecablemente balanceados, parece que estas entrando a un comedor en alguna casa.. claro, una casa con muy buen gusto.
Mis piezas favoritas fueron unas mesitas hechas de pedazos de llanta.
Polanco tiene un sin fin de showrooms que valen la pena visitar, yo me incliné por las propuestas Mexicanas, pero al igual hay espacios de compañías de todo el mundo.
viernes 29 de octubre de 2010
jueves 28 de octubre de 2010
Diseño mexicano dialogando en la Galería ADN
Dentro de las actividades de la semana del diseño en México DF, la Galería ADN (especialista en diseño vintage) organizo la exposición “ADN: Identidad y Dialogo de Diseño en México” inaugurada anoche en su espacio de Polanco. Esta exposición se distingue por varias razones, desde la mezcla de participantes hasta la naturaleza del reto que propone: establecer un dialogo creativo entre lo vintage y lo contemporáneo.
Doce diseñadores fueron invitados a seleccionar una pieza del catalogo vintage de la galería para inspirarse a crear un nuevo diseño. El grupo estaba muy variado con diseñadores de varias generaciones y varias ciudades del país y que abordaron el brief con muebles, joyería y cerámica. El grupo completo estaba formado por Cecilia León de la Barra, Ariel Rojo, Mauricio y Sebastián Lara, Tsimani, Mariano García, Jorge Diego Etienne (osea yo), Joel Escalona, Colectivo 1050, Adriana Díaz de Cosio, Carmen Tapia y Thierry Jeannot.
El resultado fue variado, cada quien abordo el proceso creativo de una manera muy personal, dándole carácter a cada pieza, sumando a la historia de la pieza original y realmente creando un dialogo. Cada uno aprovecho la “carte blanche” para hacer aquellas cosas que un proyecto comercial no te permite, resultando en piezas de edición limitada que se distinguen por sus riesgos y detalles. Para mi fue muy interesante platicar con cada uno del porqué escogieron esa pieza en particular… de nuevo, cada uno tenia una razón muy personal.
Los buenos recuerdos que le trajo la mecedora a Mariano García Martínez lo llevó a retomar este diseño popular y darle un rediseño donde utilizo tubo de manguera como elemento funcional y como relación directa a los exteriores.
Joel Escalona confesó tener un gusto por las maletas. De un par de maletas antiguas, Joel hizo una reinterpretación muy literal para crear esta pieza que funciona como mesa de centro.
Mauricio Lara cuestiono el porqué los muebles se limitan en extremidades. Su vitrina tiene largas y elegantes piernas y ocho custodios que cuidándolas.
Ariel Rojo tomo una silla partera (así es, para dar a luz) de los años 40 y la trajo a la actualidad con nuevos materiales y una estética sencilla que respeta la figura original.
Cecilia León de la Barra sintetizo un librero y el mecanismo de sus estantes para crear una pieza muy a su estilo personal. El juego de líneas me pareció un gran detalle. Junto a estas piezas estaba el trabajo de Kythzia Barrera quien experimento con la misteriosa técnica del choreado. Este tipo de pintura es originaria de china, y por algún motivo desconocido se comenzó a producir en Oaxaca.
Desde que comenzó este proyecto, una de las piezas que mas curiosidad me provocaba era la de Yolanda Reséndiz y Jesús Rentería de Tsimáni ya que tomarón el gran reto de la silla mariposa de Pedro Friedeberg. Creo que solucionaron el diseño de una forma espectacular y llena de colores como acostumbran trabajar.
Yo me inspire en una mesa de los 70’s que tiene una historia muy misteriosa y un estilo muy peculiar. A partir de una mesa de comedor diseñé una coffee table y una side table que toman ciertos elementos de la pieza original en su figura y construcción.
La favorita de la noche fue sin duda la mesa Cortina de Sebastian Lara. La forma, los detalles, los materiales.. todo es sorprendente. Tomó lo suficiente de la pieza original para mantener una relación fuerte, y lo mezclo con un diseño que sobresale por su fabricación.
El evento definitivamente será uno de los highlights de esta edición de la semana del diseño en el DF ya que no solo exhibe el diseño mexicano.. lo reta a crear algo diferente, lleno de historia y que rescata la cultura de diseño del país. Felicidades a la Galería ADN por un excelente trabajo y a todos los participantes. Esta exposición permanecerá mas tiempo en la Galería, visitenla en Moliere 62 en Polanco.
*Disculpen mis malas fotos, en cuanto tenga mejores haré un post con los 12 diseños.
Más info:
http://www.adngaleria.mx/
Doce diseñadores fueron invitados a seleccionar una pieza del catalogo vintage de la galería para inspirarse a crear un nuevo diseño. El grupo estaba muy variado con diseñadores de varias generaciones y varias ciudades del país y que abordaron el brief con muebles, joyería y cerámica. El grupo completo estaba formado por Cecilia León de la Barra, Ariel Rojo, Mauricio y Sebastián Lara, Tsimani, Mariano García, Jorge Diego Etienne (osea yo), Joel Escalona, Colectivo 1050, Adriana Díaz de Cosio, Carmen Tapia y Thierry Jeannot.
El resultado fue variado, cada quien abordo el proceso creativo de una manera muy personal, dándole carácter a cada pieza, sumando a la historia de la pieza original y realmente creando un dialogo. Cada uno aprovecho la “carte blanche” para hacer aquellas cosas que un proyecto comercial no te permite, resultando en piezas de edición limitada que se distinguen por sus riesgos y detalles. Para mi fue muy interesante platicar con cada uno del porqué escogieron esa pieza en particular… de nuevo, cada uno tenia una razón muy personal.
Los buenos recuerdos que le trajo la mecedora a Mariano García Martínez lo llevó a retomar este diseño popular y darle un rediseño donde utilizo tubo de manguera como elemento funcional y como relación directa a los exteriores.
Joel Escalona confesó tener un gusto por las maletas. De un par de maletas antiguas, Joel hizo una reinterpretación muy literal para crear esta pieza que funciona como mesa de centro.
Mauricio Lara cuestiono el porqué los muebles se limitan en extremidades. Su vitrina tiene largas y elegantes piernas y ocho custodios que cuidándolas.
Ariel Rojo tomo una silla partera (así es, para dar a luz) de los años 40 y la trajo a la actualidad con nuevos materiales y una estética sencilla que respeta la figura original.
Cecilia León de la Barra sintetizo un librero y el mecanismo de sus estantes para crear una pieza muy a su estilo personal. El juego de líneas me pareció un gran detalle. Junto a estas piezas estaba el trabajo de Kythzia Barrera quien experimento con la misteriosa técnica del choreado. Este tipo de pintura es originaria de china, y por algún motivo desconocido se comenzó a producir en Oaxaca.
Desde que comenzó este proyecto, una de las piezas que mas curiosidad me provocaba era la de Yolanda Reséndiz y Jesús Rentería de Tsimáni ya que tomarón el gran reto de la silla mariposa de Pedro Friedeberg. Creo que solucionaron el diseño de una forma espectacular y llena de colores como acostumbran trabajar.
Yo me inspire en una mesa de los 70’s que tiene una historia muy misteriosa y un estilo muy peculiar. A partir de una mesa de comedor diseñé una coffee table y una side table que toman ciertos elementos de la pieza original en su figura y construcción.
La favorita de la noche fue sin duda la mesa Cortina de Sebastian Lara. La forma, los detalles, los materiales.. todo es sorprendente. Tomó lo suficiente de la pieza original para mantener una relación fuerte, y lo mezclo con un diseño que sobresale por su fabricación.
El evento definitivamente será uno de los highlights de esta edición de la semana del diseño en el DF ya que no solo exhibe el diseño mexicano.. lo reta a crear algo diferente, lleno de historia y que rescata la cultura de diseño del país. Felicidades a la Galería ADN por un excelente trabajo y a todos los participantes. Esta exposición permanecerá mas tiempo en la Galería, visitenla en Moliere 62 en Polanco.
*Disculpen mis malas fotos, en cuanto tenga mejores haré un post con los 12 diseños.
Más info:
http://www.adngaleria.mx/
martes 26 de octubre de 2010
El arranque del Design Week Monterrey
Ayer asistí al primer día de conferencias del Design Week Monterrey organizado por el CEDIM en la fototeca del parque Fundidora. Aunque es la décima edición del evento, es la primera vez que voy y puedo decir francamente que quede impresionado por la calidad de su organización y la oferta que tiene para los alumnos ( 24 conferencias + 8 talleres + 6 eventos). La apertura la hizo Michael Novak, director del CEDIM, quien dio una breve introducción al tema “Human” de este DW.
El primer conferencista fue el estudio español Cul de Sac (mencionado aquí en designaholic) quien desde hace tiempo ha producido constantemente proyectos de diseño para todo tipo de compañías que van desde lo gráfico hasta lo industrial. Cada proyecto tiene un toque muy particular, que puedo comprender un poco mejor después de ver esta conferencia y conocer un poco más como opera Cul de Sac. La primera del día y la que más me gusto.
La mañana continuó con Tixinda, una pareja (Mexicano+Argentina) que crearon una marca que va desde los design-toys hasta ropa, todo con un sello muy Mexicano. Tixinda toma como base la fusión del arte prehispánico con elementos urbanos que dan como resultado algo tan novedoso que ha tenido mucho éxito en la web y atrayendo clientes como Nike. Lo que más me agrado de Tixinda es la vibra de pasión y entrega total que tienen los dos al proyecto y sus ideas, lo cual solo puede generar éxito.
La segunda tanda de conferencias que vi se torno un poco más hacia lo corporativo, comenzando con Diego Bolson de Pepsico y su plática de Food Design. Aunque ya había visto una platica similar en las noches de Toc Toc, no deja de fascinarme el aspecto macro del diseño cuando hablamos de compañías con tanta penetración en el mercado Mexicano. Definitivamente es un área con mucho potencial para el diseño en nuestro país.
La presentación de Landor fue un tanto tradicional, “somos una compañía enorme con clientes enormes”, nada que me pareciera innovador ó que tuviera una propuesta interesante. La conferencista explicó varios case Studies, como el de Baileys que estuvo bastante bueno.. pero lo mejor de Landor son sus comienzos, muy a la “Mad Men”, no dejen de ver este post que hice hace algunos meses de cómo diseñaron una botella de Cognac (muy impresionante).
Después de cada bloque de conferencistas hubo una sesión un poco más relajada de preguntas y respuestas, donde todos subían al escenario creando un ambiente de dialogo entre los participantes.
El DWM sigue hasta el viernes, todavía pueden ir si tienen oportunidad (lo recomiendo mucho) .. y no olviden los eventos abiertos, como la apertura de la exhibición Talento Local curada por TocToc, más info aquí. También recomiendo que sigan el twitteo en vivo con @cedimdwm y su flickr.
Para toda la info del DWM:
www.dwm.org.mx
El primer conferencista fue el estudio español Cul de Sac (mencionado aquí en designaholic) quien desde hace tiempo ha producido constantemente proyectos de diseño para todo tipo de compañías que van desde lo gráfico hasta lo industrial. Cada proyecto tiene un toque muy particular, que puedo comprender un poco mejor después de ver esta conferencia y conocer un poco más como opera Cul de Sac. La primera del día y la que más me gusto.
La mañana continuó con Tixinda, una pareja (Mexicano+Argentina) que crearon una marca que va desde los design-toys hasta ropa, todo con un sello muy Mexicano. Tixinda toma como base la fusión del arte prehispánico con elementos urbanos que dan como resultado algo tan novedoso que ha tenido mucho éxito en la web y atrayendo clientes como Nike. Lo que más me agrado de Tixinda es la vibra de pasión y entrega total que tienen los dos al proyecto y sus ideas, lo cual solo puede generar éxito.
La segunda tanda de conferencias que vi se torno un poco más hacia lo corporativo, comenzando con Diego Bolson de Pepsico y su plática de Food Design. Aunque ya había visto una platica similar en las noches de Toc Toc, no deja de fascinarme el aspecto macro del diseño cuando hablamos de compañías con tanta penetración en el mercado Mexicano. Definitivamente es un área con mucho potencial para el diseño en nuestro país.
La presentación de Landor fue un tanto tradicional, “somos una compañía enorme con clientes enormes”, nada que me pareciera innovador ó que tuviera una propuesta interesante. La conferencista explicó varios case Studies, como el de Baileys que estuvo bastante bueno.. pero lo mejor de Landor son sus comienzos, muy a la “Mad Men”, no dejen de ver este post que hice hace algunos meses de cómo diseñaron una botella de Cognac (muy impresionante).
Después de cada bloque de conferencistas hubo una sesión un poco más relajada de preguntas y respuestas, donde todos subían al escenario creando un ambiente de dialogo entre los participantes.
El DWM sigue hasta el viernes, todavía pueden ir si tienen oportunidad (lo recomiendo mucho) .. y no olviden los eventos abiertos, como la apertura de la exhibición Talento Local curada por TocToc, más info aquí. También recomiendo que sigan el twitteo en vivo con @cedimdwm y su flickr.
Para toda la info del DWM:
www.dwm.org.mx
lunes 25 de octubre de 2010
Guggenheim presenta la bienal YouTube Play
Las cosas están cambiando. Antes no había un lugar donde cualquiera pudiera fácilmente subir videos, caseros o un poco más elaborados, para que millones de personas alrededor del mundo lo pudieran ver. Después llego la revolución de YouTube, y con ella una nueva camada de creativos que utilizan este medio para colocar piezas tan bien producidas que podrían estar en los mejores escenarios si les dieran un espacio. La bienal de video creativo “YouTube Play” organizada por el museo Guggenheim de Nueva York es ese espacio.
Más de 23,000 videos de todo el mundo participaron en la convocatoria, de los cuales 125 fueron seleccionados como finalistas para que el jurado redujera a tan solo 25 seleccionados. Obviamente el jurado fue de primer nivel, incluyendo gente creativa e innovadora como Takashi Murakami, Stefan Sagmeister y el grupo Animal Collective, entre otros.
El pasado 21 de Octubre se festejo en hermoso edificio del Guggenheim en NY diseñado por Frank Lloyd Wright la premiación con un show espectacular que se transmitió en vivo por YouTube..
Había de todo, videos muy profesionales, otros muy artísticos, otros con un sentimiento muy caseros ó DIY, animaciones, otros con mashups u orientados hacia lo musical. Lo entretenido del evento fue como combinaron los videos con música en vivo.
También fue interesante ver a miembros del jurado introducir los videos y porque les gustaron esas piezas en particular.
Algunos participantes saltaron a la fama con esta bienal, otros ya tenían fama gracias a YouTube como Pogo, quien comenzó a hacer remixes de películas que se hicieron muy famosas en línea al punto que comenzó a colaborar con Disney-Pixar.
El shortlist de 25 videos estará exhibiendose en el Guggenheim en una exhibición muy interactiva y divertida, aunque no dejará de ser ir al museo a ver algo que puedes ver en YouTube.. ¿raro? Repito, los tiempos están cambiando. Vean los 25 finalistas aquí.
Más acerca del evento en:
http://www.youtube.com/play
viernes 22 de octubre de 2010
TocToc presenta: Talento Local
El proximo martes 26 de Octubre a las 8:00pm, dentro del Design Week Monterrey, TocToc estará inaugurando la exposición TALENTO LOCAL curada por ellos mismos. Habrá de todo; diseño industrial, ilustración, moda, editorial, gráfico, arquitectura, arte, entre otros, hecho 100% en Monterrey.
Una perfecta oportunidad par aver lo que esta pasando en la escena local, estarán desde gente con gran trayectoria como Federico Jordán, otros que han hecho mucho ruido como Miss Mars, María Vogel y Los Contratistas, hasta mas desconocidos como yo. No se lo pierdan, es entrada libre.
Más info:
www.toctoc.mx
Una perfecta oportunidad par aver lo que esta pasando en la escena local, estarán desde gente con gran trayectoria como Federico Jordán, otros que han hecho mucho ruido como Miss Mars, María Vogel y Los Contratistas, hasta mas desconocidos como yo. No se lo pierdan, es entrada libre.
Más info:
www.toctoc.mx
El nuevo Museo del Objeto del Objeto
Cuarenta años de coleccionar objetos de la vida cotidiana, que van de 1810 a la fecha, llevaron a Bruno Newman a formar el recién inaugurado Museo del Objeto del Objeto (MODO) en la colonia Roma. El proyecto comenzó en el 2004 con la clasificación, fotografiar y catalogar unos 30,000 objetos que funcionan como registro vivo de la evolución del diseño industrial y gráfico en los últimos doscientos años.
Empaques, frascos, carteles, envases, exhibidores, anuncios, entre otros objetos curiosos dan un panorama de la sociedad Mexicana; como consume y como procesa la comunicación y diseño. Aparte de funcionar como Museo, el proyecto del Modo incluye programas educativos, editoriales, de investigación y difusión que estoy seguro que aportaran mucho a la cultura de diseño de nuestro país.
El edificio del Modo en la colonia Roma es igual de importante. Construido a principios de siglo, es una las 8 construcciones Art Noveau de la ciudad del DF.
El Modo será una fuente interminable de inspiración para todos los diseñadores Mexicanos, visítenlo en Colima 145 de la Colonia Roma de Miercoles a Domingo entre 10:00 y 6:00 pm.
Más info:
www.elmodo.mx
Empaques, frascos, carteles, envases, exhibidores, anuncios, entre otros objetos curiosos dan un panorama de la sociedad Mexicana; como consume y como procesa la comunicación y diseño. Aparte de funcionar como Museo, el proyecto del Modo incluye programas educativos, editoriales, de investigación y difusión que estoy seguro que aportaran mucho a la cultura de diseño de nuestro país.
El edificio del Modo en la colonia Roma es igual de importante. Construido a principios de siglo, es una las 8 construcciones Art Noveau de la ciudad del DF.
El Modo será una fuente interminable de inspiración para todos los diseñadores Mexicanos, visítenlo en Colima 145 de la Colonia Roma de Miercoles a Domingo entre 10:00 y 6:00 pm.
Más info:
www.elmodo.mx
TEMAS
Diseño divertido,
Diseño en Mexico
jueves 21 de octubre de 2010
¡Nueva MacBook Air!
A menos de dos meses de haber lanzado nuevos modelos de iPods y un rediseño del Apple TV (vean el post aquí), Steve Jobs anunció ayer la nueva generación de su computadora portátil ultra-ligera.
El lenguaje de diseño se una a las exitosas MacBook Pro con el “unibody” (cuerpo sólido de una sola pieza de aluminio, vean post aquí) y mantiene rasgos como el no incluir un drive óptico para cds/dvds, la reducción de puertos y su mejor característica: un peso increíblemente liviano.
Aquí el ya tradicional mini-infomercial con Jonathan Ives y su pandilla:
También se añadió un nuevo tamaño a la alineación, y se bajaron los precios haciéndola una portátil bastante accesible. Su versión de 11 pulgadas (29.95cm) tiene un grosor que va de 0.3cm a 1.7cm y pesa 1.06kg, con un precio que empieza en $999 USD. La nueva versión de 13 pulgadas (32.5cm) tiene el mismo grosor y apenas aumenta a 1.32kg con un precio inicial de $1,299.
Una de las más impresionantes innovaciones de estas MacBooks es el uso del FlashDrive como disco duro. Esta tecnología se utiliza en los dispositivos portátiles como iPod, Ipad y iPhone, ya que no tiene mecanismos grandes que estén en constante movimiento y se puedan dañar fácilmente, aparte de utilizar mucho menos espacio y ser más eficientes . Apple coloco las memorias directamente en la tarjeta madre y con todo el espacio que ahorro logro colocar 4 baterías que les da hasta 7 hrs de vida en uso intenso.
El trackpad también aumento de tamaño y hubo mejoras en casi todos los aspectos de hardware. Steve Jobs también anunció que la App Store comenzará a vender software para Macs, la video conferencia en FaceTime será disponible para las computadoras, dio un preview del nuevo iLife y el siguiente OSX, el Lion, que se espera sea lanzado a mediados del 2011.
Más info:
www.apple.com
*Si ya están confundidos con todas las opciones portátiles de Apple, vean este articulo de NYT
El lenguaje de diseño se una a las exitosas MacBook Pro con el “unibody” (cuerpo sólido de una sola pieza de aluminio, vean post aquí) y mantiene rasgos como el no incluir un drive óptico para cds/dvds, la reducción de puertos y su mejor característica: un peso increíblemente liviano.
Aquí el ya tradicional mini-infomercial con Jonathan Ives y su pandilla:
También se añadió un nuevo tamaño a la alineación, y se bajaron los precios haciéndola una portátil bastante accesible. Su versión de 11 pulgadas (29.95cm) tiene un grosor que va de 0.3cm a 1.7cm y pesa 1.06kg, con un precio que empieza en $999 USD. La nueva versión de 13 pulgadas (32.5cm) tiene el mismo grosor y apenas aumenta a 1.32kg con un precio inicial de $1,299.
Una de las más impresionantes innovaciones de estas MacBooks es el uso del FlashDrive como disco duro. Esta tecnología se utiliza en los dispositivos portátiles como iPod, Ipad y iPhone, ya que no tiene mecanismos grandes que estén en constante movimiento y se puedan dañar fácilmente, aparte de utilizar mucho menos espacio y ser más eficientes . Apple coloco las memorias directamente en la tarjeta madre y con todo el espacio que ahorro logro colocar 4 baterías que les da hasta 7 hrs de vida en uso intenso.
El trackpad también aumento de tamaño y hubo mejoras en casi todos los aspectos de hardware. Steve Jobs también anunció que la App Store comenzará a vender software para Macs, la video conferencia en FaceTime será disponible para las computadoras, dio un preview del nuevo iLife y el siguiente OSX, el Lion, que se espera sea lanzado a mediados del 2011.
Más info:
www.apple.com
*Si ya están confundidos con todas las opciones portátiles de Apple, vean este articulo de NYT
miércoles 20 de octubre de 2010
ADN: identidad y diálogo de diseño en México
Los invito a la exhibición "ADN: identidad y diálogo de diseño en México" de la Galería ADN dentro del marco de la Semana del Diseño de México DF.
Así es, yo estoy participando con una pieza al igual que otros 11 diseñadores, todos con mucha más trayectoria que yo como Ariel Rojo, Joel Escalona, Mauricio Lara, Cecilia León de la Barra y más. Promete ser un gran evento, si estan en el DF no se lo pueden perder.
Más info:
www.adngaleria.mx
www.dwmexico.com.mx
*Vean aquí un post previo acerca de la ADN Galería
Así es, yo estoy participando con una pieza al igual que otros 11 diseñadores, todos con mucha más trayectoria que yo como Ariel Rojo, Joel Escalona, Mauricio Lara, Cecilia León de la Barra y más. Promete ser un gran evento, si estan en el DF no se lo pueden perder.
Más info:
www.adngaleria.mx
www.dwmexico.com.mx
*Vean aquí un post previo acerca de la ADN Galería
Reinterpretando la silla Rojo Azul de Rietveld
Hay ciertos iconos del diseño que son constante inspiración para los creativos actuales, y que por lo mismo han sido revisitadas una y otra vez, experimentando con materiales, procesos y formas.. pero siempre haciendo tributos a la original. En Designaholic hemos hablando del amor por los clásicos Eames, Le Corbusier, Noguchi, Aalto y Thonet. En esta ocasión tocamos un clásico holandés del movimiento De Stijl, la silla Roja Azul de Gerrit Rietveld.
La versión original fue diseñada en 1918, fue hasta los 20’s que se definió siguiendo la paleta de colores utilizada por los artistas del De Stijl como Piet Mondrian. Su diseño de volúmenes rectilíneos intersecados fue ideada para su producción masiva con una construcción relativamente sencilla que utilizaba medidas de madera estándar de aquellos tiempos. El diseño buscaba más que confort físico, una armonía espiritual. Casi 100 años después, la silla Rojo Azul sigue inspirando a diseñadores.
El Holandés Maarten Baas es un amante de los clásicos, pero demuestra esta admiración de una forma muy peculiar: quemandolos. La silla Rojo Azul se convierte en cenizas bajo los ideales de Baas, que después de quemar la silla, le aplica una resina que la mantiene (casi) entera. Aunque algunas de sus piezas de esta colección llamada “Smoke” son producidas por Moooi, la silla Rojo Azul permanence como una pieza comisionada, de design-art, que ha sido realizada muy pocas veces. Un signo de una silla icónica es que aun quemada es fácil de reconocer.
Otros Holandeses, el estudio MINALE-MAEDA, crearon una versión de la silla Rojo Azul construida con Legos. Increíble idea, excelente ejecución que también es comercializada como design-art por Droog (solo 5 fueron hechas). Cuando la vi en el showroom de Droog en Milan hace algunos años no podía resistir el querer sentarme.. pero no era permitido.
Aquí el detalle de las intersecciones.
Recientemente apareció en Designboom otra versión más que me llevó a escribir este post, la ‘left handed rietveld chair’ por Julien Berthier. Como lo dice su nombre, Berthier dibujo 5 sillas Rojo Azul con su mano izquierda, y basándose en esos sketches se fabricaron las piezas.
Estoy seguro que hay más reinterpretaciones de la silla Rojo Azul, y que aun habrá mas por venir. El amor por los clásicos es un amor que nunca muere.
Más clásicos en Designaholic
La versión original fue diseñada en 1918, fue hasta los 20’s que se definió siguiendo la paleta de colores utilizada por los artistas del De Stijl como Piet Mondrian. Su diseño de volúmenes rectilíneos intersecados fue ideada para su producción masiva con una construcción relativamente sencilla que utilizaba medidas de madera estándar de aquellos tiempos. El diseño buscaba más que confort físico, una armonía espiritual. Casi 100 años después, la silla Rojo Azul sigue inspirando a diseñadores.
El Holandés Maarten Baas es un amante de los clásicos, pero demuestra esta admiración de una forma muy peculiar: quemandolos. La silla Rojo Azul se convierte en cenizas bajo los ideales de Baas, que después de quemar la silla, le aplica una resina que la mantiene (casi) entera. Aunque algunas de sus piezas de esta colección llamada “Smoke” son producidas por Moooi, la silla Rojo Azul permanence como una pieza comisionada, de design-art, que ha sido realizada muy pocas veces. Un signo de una silla icónica es que aun quemada es fácil de reconocer.
Otros Holandeses, el estudio MINALE-MAEDA, crearon una versión de la silla Rojo Azul construida con Legos. Increíble idea, excelente ejecución que también es comercializada como design-art por Droog (solo 5 fueron hechas). Cuando la vi en el showroom de Droog en Milan hace algunos años no podía resistir el querer sentarme.. pero no era permitido.
Aquí el detalle de las intersecciones.
Recientemente apareció en Designboom otra versión más que me llevó a escribir este post, la ‘left handed rietveld chair’ por Julien Berthier. Como lo dice su nombre, Berthier dibujo 5 sillas Rojo Azul con su mano izquierda, y basándose en esos sketches se fabricaron las piezas.
Estoy seguro que hay más reinterpretaciones de la silla Rojo Azul, y que aun habrá mas por venir. El amor por los clásicos es un amor que nunca muere.
Más clásicos en Designaholic
martes 19 de octubre de 2010
Vacante de Diseño Industrial
Esta vacante es para un proyecto muy interesante que recomiendo ampliamente. Si creen que dan el ancho no duden en contactar a lucas@nrmal.net con su cv y portafolio, puede ser ese trabajo que todo diseñador desea.
Perdiendo la competencia en Diseño
México ni si quiera aparece en este gráfico que mide la competencia en diseño por país.
...Algo tenemos que hacer al respecto.
Via Tomo
...Algo tenemos que hacer al respecto.
Via Tomo
TEMAS
Diseño en Mexico
Gibson, Fender y el diseño de las guitarras eléctricas
La necesidad de los guitarristas de Jazz por no quedar sepultados por debajo de los demás instrumentos con mayor volumen y la evolución de los aparatos eléctricos como micrófonos y amplificadores llevo a la invención de la guitarra eléctrica en los años 30’s. Mientras que algunos como Gibson adaptaban nuevas tecnologías a sus guitarras (huecas como se acostumbraba), compañías como Rickenbacker comenzaron a fabricar y comercializar guitarras de cuerpo sólido.
Aquí un video de la temprana historia de las guitarras eléctricas:
El resultado de estos primeros años de constante innovación para la guitarra fue una rivalidad que prevalece aun hoy en día: Fender VS Gibson.
Aunque Gibson tenía ya varios años produciendo guitarras con mucho éxito, Fender impuso en el mercado su modelo Telecaster de 1950, conocido como el “Modelo T” de las guitarras eléctricas. Era fácil de fabricar, fácil de usar y con una gran calidad de sonido. Su producción masiva conquisto el mercado, expandió el uso de la guitarra eléctrica y se convirtió en un clásico instantáneo. Uno de los guitarristas mas reconocidos por usarla es Keith.
Después de varios intentos, el guitarrista Les Paul convenció a Gibson de fabricar una guitarra eléctrica de cuerpo sólido. Su diseño en conjunto con el know-how de la compañía resultaron en un legendario diseño de culto. Aunque su diseño original de 1952 es en Maple, la Les Paul tiene varios modelos y “signature models” de guitarristas que aportan detalles al diseño como Slash, Peter Frampton, Pete Townshed, Ace Frehely y uno de sus más famosos amantes, Jimmy Page.
Aquí un video del culto a la Gibson Les Paul.
Fender saco al mercado en 1954 la Stratocaster, conocida como la guitarra standard para todos los amantes de la música. Buddy Holly, Bob Dylan, Eric Clapton, Robert Cray, Buddy Guy, George Harrison, John Lennon, Stevie Ray Vaughn y prácticamente todo el mundo ha tocado una Stratocaster. Es la más popular, más vendida y más copiada. Uno de sus features más reconocidos es el “whammy” que produce vibraciones que hicieron famosas a Jimi Hendrix. La Stratocaster “custom” negra de Eric Clapton inclusive tiene un nombre de cariño; “Blackie”, retirada en 1987 y vendida en el 2004 en una subasta de Christie por el ridículo precio de $959,500 dólares. Actualmente Fender tiene una edición limitada bajo el mismo nombre.
Video “Making history” de Fender
Otra Stratocaster que hizo historia es la que uso Jimi Hendrix para su memorable concierto en Woodstock 69. ¿Notan algo raro? Hendrix era zurdo, así que volteaba su guitarra para tocar.
Al final de la década de los 50’s, las guitarras habían dado un enorme salto y Gibson quería definirse como el líder. Ted McCarty, dueño de la compañía, contra atacó diseñando modelos “futuristas” que se convirtieron en la Flying V y Explorer que conocemos hoy en día. Aunque Hendrix adoptó la Flying V (y hasta diseño el gráfico de su versión personalizada), estas guitarras fueron descontinuadas hasta finales de los 60’s.
Con nuevos géneros de rock como el metal y el trash, este tipo de guitarras se convirtieron en las más usadas durante sus comienzos por guitarristas como Zakk Wylde, Dave Mustaine, Kirk Hammet y James Hetfield que hicieron de la velocidad su trademark.
Una de mis guitarras favoritas es la Jag-Stang, una rareza diseñada por Kurt Cobain en colaboración con Fender. En sus journals, Kurt recortaba partes de diferentes guitarras, las pegaba juntas y dibujada sobres ellas anotaciones que después se hicieron realidad.
Este modelo es prácticamente la mezcla de los modelos comerciales Jaguar y Mustang de la compañía. Solo se hicieron dos prototipos de esta guitarra a mediados de los 90's, en colores especificados por Kurt. De estos dos, solo pudo tocar el Electric Blue ya que murió antes de que Fender le mandara el modelo rojo. Vean un review de esta guitarra aquí.
El diseño y evolución de este instrumento le han dado forma al a historia de la música moderna, y Fender y Gibson se han mantenido como los lideres en el mercado. Hay un sentimiento de pertenencia que cada guitarrista tiene con su instrumento que me fascina.. no puedes pensar en Jimmy Page sin su Les Paul o en Hendrix tocando cualquier otra cosa que no sea una fender. Se convierten en una extensión de su cuerpo y su personalidad, algo que ningún otro objeto ha logrado. Les recomiendo el film "It might get loud", donde Page, The Edge y Jack White platican acerca de sus guitarras.
Hay muchas más guitarras y muchos más artistas, les recomiendo este conteo “The 28 Most Recognizable Guitars” por la revista Blender.
Más info:
“The invention of the Eletric Guitar” Smithsonian Museum
www.fender.com
www.gibson.com
*Intencionalmente no puse ningún nombre de las bandas en donde tocan estas personalidades.. si no los saben, pónganse a estudiar.
Aquí un video de la temprana historia de las guitarras eléctricas:
El resultado de estos primeros años de constante innovación para la guitarra fue una rivalidad que prevalece aun hoy en día: Fender VS Gibson.
Aunque Gibson tenía ya varios años produciendo guitarras con mucho éxito, Fender impuso en el mercado su modelo Telecaster de 1950, conocido como el “Modelo T” de las guitarras eléctricas. Era fácil de fabricar, fácil de usar y con una gran calidad de sonido. Su producción masiva conquisto el mercado, expandió el uso de la guitarra eléctrica y se convirtió en un clásico instantáneo. Uno de los guitarristas mas reconocidos por usarla es Keith.
Después de varios intentos, el guitarrista Les Paul convenció a Gibson de fabricar una guitarra eléctrica de cuerpo sólido. Su diseño en conjunto con el know-how de la compañía resultaron en un legendario diseño de culto. Aunque su diseño original de 1952 es en Maple, la Les Paul tiene varios modelos y “signature models” de guitarristas que aportan detalles al diseño como Slash, Peter Frampton, Pete Townshed, Ace Frehely y uno de sus más famosos amantes, Jimmy Page.
Aquí un video del culto a la Gibson Les Paul.
Fender saco al mercado en 1954 la Stratocaster, conocida como la guitarra standard para todos los amantes de la música. Buddy Holly, Bob Dylan, Eric Clapton, Robert Cray, Buddy Guy, George Harrison, John Lennon, Stevie Ray Vaughn y prácticamente todo el mundo ha tocado una Stratocaster. Es la más popular, más vendida y más copiada. Uno de sus features más reconocidos es el “whammy” que produce vibraciones que hicieron famosas a Jimi Hendrix. La Stratocaster “custom” negra de Eric Clapton inclusive tiene un nombre de cariño; “Blackie”, retirada en 1987 y vendida en el 2004 en una subasta de Christie por el ridículo precio de $959,500 dólares. Actualmente Fender tiene una edición limitada bajo el mismo nombre.
Video “Making history” de Fender
Otra Stratocaster que hizo historia es la que uso Jimi Hendrix para su memorable concierto en Woodstock 69. ¿Notan algo raro? Hendrix era zurdo, así que volteaba su guitarra para tocar.
Al final de la década de los 50’s, las guitarras habían dado un enorme salto y Gibson quería definirse como el líder. Ted McCarty, dueño de la compañía, contra atacó diseñando modelos “futuristas” que se convirtieron en la Flying V y Explorer que conocemos hoy en día. Aunque Hendrix adoptó la Flying V (y hasta diseño el gráfico de su versión personalizada), estas guitarras fueron descontinuadas hasta finales de los 60’s.
Con nuevos géneros de rock como el metal y el trash, este tipo de guitarras se convirtieron en las más usadas durante sus comienzos por guitarristas como Zakk Wylde, Dave Mustaine, Kirk Hammet y James Hetfield que hicieron de la velocidad su trademark.
Una de mis guitarras favoritas es la Jag-Stang, una rareza diseñada por Kurt Cobain en colaboración con Fender. En sus journals, Kurt recortaba partes de diferentes guitarras, las pegaba juntas y dibujada sobres ellas anotaciones que después se hicieron realidad.
Este modelo es prácticamente la mezcla de los modelos comerciales Jaguar y Mustang de la compañía. Solo se hicieron dos prototipos de esta guitarra a mediados de los 90's, en colores especificados por Kurt. De estos dos, solo pudo tocar el Electric Blue ya que murió antes de que Fender le mandara el modelo rojo. Vean un review de esta guitarra aquí.
El diseño y evolución de este instrumento le han dado forma al a historia de la música moderna, y Fender y Gibson se han mantenido como los lideres en el mercado. Hay un sentimiento de pertenencia que cada guitarrista tiene con su instrumento que me fascina.. no puedes pensar en Jimmy Page sin su Les Paul o en Hendrix tocando cualquier otra cosa que no sea una fender. Se convierten en una extensión de su cuerpo y su personalidad, algo que ningún otro objeto ha logrado. Les recomiendo el film "It might get loud", donde Page, The Edge y Jack White platican acerca de sus guitarras.
Hay muchas más guitarras y muchos más artistas, les recomiendo este conteo “The 28 Most Recognizable Guitars” por la revista Blender.
Más info:
“The invention of the Eletric Guitar” Smithsonian Museum
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*Intencionalmente no puse ningún nombre de las bandas en donde tocan estas personalidades.. si no los saben, pónganse a estudiar.
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