jueves 31 de marzo de 2011

Visitando el Museo de Cerámica Oriental de Osaka


El Museo de Cerámica Oriental de Osaka es el primer museo que visito en Japón, y aunque es un espacio pequeño, su colección muestra contundentemente la evolución de la cerámica en Corea, China y Japón.

 
 

Fundado en 1982, el museo tiene aproximadamente 400 piezas en exhibición, y el recorrido explica las diferentes técnicas de fabricación, materiales, tipos de objetos, técnicas de decoración, esmaltes, hornos y otros detalles. Afortunadamente iba acompañado por Kythzia Barrera, diseñadora experta en cerámica que me aclaró muchas dudas que tuve al ver la exposición.


Realmente disfrute asimilar la evolución del diseño en relación con los materiales disponibles y la tecnología desarrollada en su tiempo.


También hay exposiciones temporales en el museo. Me toco ver y conocer el trabajo del artista Tsuyoshi Kawasaki, un escultor que crea “pueblos” en varios materiales y técnicas. La exposición “Towns” muestra 16 piezas con composiciones que incluyen techos, escaleras, puertas y otros elementos que estimulan la imaginación para capturar la imagen de estos pequeños pueblos.


Una de las mayores sorpresas que me lleve en el museo fue conocer las “snuff-bottles”, unas pequeñas botellas (muy bien ornamentadas) utilizadas en China y después populares en Europa para llevar tabaco en polvo contigo y poder “darle un llegue” a tu antojo. La función me impresiono mucho, pero el nivel de detalle de cada una de estas botellas es aún más sorprendente.

Eran fabricadas de diferentes materiales como porcelana, cerámica, metal, madera, marfil y piedras como el jade. Llamémoslo artesanía, diseño de producto o packaging, estas botellitas son funcionales y estéticamente increíbles.


Gran día en el museo, y apenas es el primero.


Más info:
www.moco.or.jp/en

IHO Espacios presenta: Eero Saarinen para Knoll

Eero Saarinen es uno de los grandes diseñadores del modernismo que surgieron en Estados Unidos a mediados del siglo pasado y crearon clásicos del diseño industrial que siguen vigentes hoy en día. Nacido en Finlandia, hijo de Eliel Saarinen (arquitecto y maestro de Florence Knoll en Cranbrook), Eero estudió escultura en Paris y arquitectura en Yale antes de comenzar a trabajar en el diseño de muebles con Norman Bel Geddes. También colaboró en varios proyectos con Charles Eames y trabajo en el despacho de arquitectura de su padre antes de abrir su propio estudio en 1950.


La relación de Eero Saarinen con Knoll comenzó a finales de los 40’s con sillas como 72series, Grasshopper y Womb, que como todos sus diseños de mobiliario, son exclusivos de la compañía. Continuamente el diseñador buscaba innovar con materiales y procesos, destacándose por proponer formas orgánicas en sus diseños.


Florence Knoll le pidió a Saarinen diseñar “una silla que asemejara una canasta de almohadas donde me gustaría recostarme”. Bajo este concepto creó la silla Womb (vientre) , una silla grande y verdaderamente cómoda que provee una sensación de protección y relajación.


Una silla que tuvo un éxito impresionante en las oficinas americanas fue su Executive Chair, un caparazón de forma sencilla que encaja en cualquier ambiente y gran confort. Esta silla tiene modelos con variaciones de bases, ya sea con patas de madera, tubulares o con ruedas.


Su colección de mesas de 1956 es la máxima expresión de la “claridad y fortaleza” que Saarinen buscaba en sus diseños. Este icono del diseño se convirtió en la mesa predilecta del modernismo.


El último proyecto de Saarinen con Knoll, y probablemente el más famoso, es su línea de sillas Tulip de 1957 donde sigue el lenguaje de la base “pedestal” de las mesas anteriores. El nombre proviene de la delgada forma de la base en forma del tallo de una flor. Aunque Saarinen luchó por crear una silla de un solo material, la base tuvo que ser de aluminio ya que la fibra de vidrio no lograba aguantar tanto peso. Aún así, el diseño tiene un acabado que asemeja ser de una sola pieza, tal y como la visión del diseñador.


Los diseños de Saarinen fueron considerados “espaciales” por sus formas curvas y materiales novedosos en esos tiempos. Tan es así que varias de sus sillas y mesas fueron utilizadas en la serie Star Trek de finales de los 60’s.


Los diseños de Saarinen siguen siendo populares hoy en día, además de haber obtenido varias re-ediciones, ediciones conmemorativas por sus 50 años y variaciones como la silla Womb en versión infantil.


Hoy recordamos a Eero Saarinen no solo por sus muebles, también por su innovadora arquitectura utilizando estructuras “thin shell” y concreto. Entre sus proyectos más relevantes están el Arco de St. Louis, edificios en las escuelas Yale, MIT y Cranbrook, y su famosa terminal para TWA en el aeropuerto JF Kenney de Nueva York. IHO Espacios, distribuidor de Knoll y los diseños de Eero Sarineen en México, es un testimonio del impacto del modernismo en el diseño y la arquitectura.


Más info:
www.iho.com.mx
www.knoll.com

miércoles 30 de marzo de 2011

Desarmando el diseño industrial


¿A quien no le gusta armar y desarmar cosas? …y si se trata de objetos de diseño, aún mejor (vean nuestro post de sillas). Ahora tenemos unas cuantas fotos del artista Todd McLellan que desarmó varios aparatos vintage como cámaras, teléfonos y maquinas de escribir para fotografiarlos.. ¡disfruten!





Si tan solo fuera tan fácil desarmar los gadgets de hoy en día..


Via Core77

Una silla prensada

Una hoja de aluminio de un metro cuadrado con 2.5mm de espesor se vuelven una silla simple y elegante. El diseñador Harry Thaler creó esta silla que aparte de utilizar el mínimo material, puede ser apilada y es tan ligera que puede ser levantada con un dedo.


Los detalles que vemos en su diseño le dan fuerza estructural a la silla. El proceso comienza con el corte, después se hacen dobleces en las patas y el asiento para crear la forma final.


Como si fuera poco, con los pedazos restantes, Thaler ingenio un banquito para acompañar su silla. Recién graduado del RCA en el 2010, ganó varios premios con este diseño, una excelente manera de catapultar su carrera.




Vean el resto de sus proyectos en:
www.harrythaler.it

martes 29 de marzo de 2011

El Museo Digital de Adobe

Mientras Google se concentró en llevar museos de arte a la web, Adobe se enfoco en crear una experiencia digital única a través de su Adobe Museum of Digital Media, abierto al publico en Octubre del 2010. Este espacio virtual esta dedicado a preservar el trabajo digital innovador de artistas, así como contar la historia de cómo los medios digitales han influenciado la cultura y sociedad.


Este museo verdaderamente “existe” en la web. El arquitecto Filippo Innocenti diseño un edificio virtual donde las exhibiciones serán montadas. Este espacio puede ser visitado por medio de su página web los 365 días del año a cualquier hora desde la comodidad de tu casa.


El diseño del museo es realmente especial, lo suficientemente sorprendente para algo que no será construido en realidad, pero al mismo tiempo suficientemente “atterizable” en nuestras mentes como un museo. En la misma página web hay una extensa explicación de cómo fue concebido el museo como proyecto y como diseño arquitectónico, muy recomendable.


Las exhibiciones son totalmente interactivas, una experiencia muy diferente a lo que tenemos en mente como “ir al museo”. Recientemente se abrió la segunda exhibición temporal a cargo del autonombrado artista digital John Maeda.


Titulada “atoms + bits = the neue craft (ABC)”, la exhibición es una lectura digital donde el actual presidente de RISD muestra con infográficos, videos, audio y fotografías la relación creativa de la tecnología digital con el oficio físico.


Esta exhibición estará en el museo por el resto del año, aunque les recomiendo que entren en cuanto antes a este nuevo espacio para que vivan esta propuesta de Adobe. Estoy seguro que habrá opiniones divididas. No puedo dejar de pensar si estoy es una patada de ahogado de la compañía ante la amenaza del html 5.


Entren a:
www.adobemuseum.com

Milan 2011: La nueva aventura de Alessi; una silla

Alessi es una de mis compañías favoritas por un sin fin de razones. Realmente creo que su rol en la industria, las tendencias y la carrera de los diseñadores es de suma relevancia, pero si hay algo que nunca me ha convencido de ellos son sus trabajos que se salen demasiado de su línea de trabajo. Un carro con FIAT, una tablet para la cocina, un teléfono con Siemens y muebles para baño y cocina son algunos de estas colaboraciones que no me terminan de convencer (aunque sus relojes si son de mi total agrado). Más que una colaboración es un licensing, este último proyecto es una silla diseñada por el arquitecto David Chipperfield y fabricada por la compañía Parma Lamm.


Esta silla será fabricada en polipropileno reciclado combinado con fibra de vidrio y con un acabado mate. Estará disponible en 6 diferentes colores y contara con un interesante mecanismo que la verdad es que tengo que verlo para comprobar que funciona. La silla será estrenada en la próxima edición 2011 de la feria del mueble en Milán.


Ahora solo queda ver como es recibida en el mercado para saber si esta nueva aventura de Alessi es otro fracaso más de esta exitosa compañía. Por otra parte, es importante notar la actitud de Alessi para tomar riesgos y expandir sus horizontes sin miedo al fracaso, por algo se han logrado colocar en un lugar privilegiado del diseño italiano y mundial.


Via Designboom

*Más posts acerca de Alessi aquí

lunes 28 de marzo de 2011

Holi; un colorido festejo

Holi, “el festival del color” es un tradicional festejo Hindú que celebra la llegada de la primavera. El día después de la primera luna llena de Marzo da el inicio de esta gran fiesta donde todos se relajan de los estrictos códigos por los que viven (sobre todo las mujeres) y se acostumbra celebrar aventando pintura los unos a los otros. Las siguientes fotos son impresionantes, divertidas ¡y sobre todo coloridas!








¡Que buena manera de celebrar!


Via The Atlantic < más fotos en este link

Mobiliario Andares; lo nuevo de EOS México

El estudio EOS México de los hermanos Mauricio y Sebastian Lara realizó un proyecto de mobiliario urbano para la ampliación de la Plaza Andares en Guadalajara. Para este proyecto, el estudio desarrollo piezas para las áreas de descanso, así como los contenedores de basura e hidratantes, bajo un concepto que siguiera el carácter de la zona vip de dicha plaza. La solución de cada pieza fue más allá de la estética, creando muebles con varias configuraciones así como una fabricación ingeniosa que facilita su mantenimiento.


Las bancas parten de un respaldo de metal que se auto-soporta en el piso, del cual se añaden los diferentes módulos de asientos que pueden ser configurados en diferentes posiciones. Los módulos tienen una estructura interna de acero que fue forrada con paneles de granito en acabado mate.



Me pareció muy interesante como este material de un carácter imponente a las piezas, como si enormes bloques de granito hubieran sido cortados y unidos con precisión. Estos paneles de mármol pueden ser desmontados y reemplazados fácilmente en caso de algún problema de mantenimiento.


Otro elemento interesante de estas bancas son sus asientos forrados con azulejos cerámicos. Esta mezcla de materiales poco común los hace aún más intrigantes. Estos azulejos tienen un detalle circular que crea una patrón texturizado en conjunto.


Para este proyecto, el estudio tomó como referencia una pieza de su portafolio, las “Pausas” diseñadas en el 2007, que funcionan como descanso temporal. Para Andares se re-interpretaron en metal y apegadas al lenguaje de diseño del proyecto.


Los botes de basura, así como los demás elementos de metal, utilizan el diseño del costado de las bolsas de compras como detalle formal. Este detalle en acero inoxidable me pareció genial, una de esas sorpresas que los EOS acostumbran incluir en sus diseños… aparte de ir de la mano con el ambiente en el que estarán siendo utilizadas.


Estos contenedores de basura tienen dos recipientes para la separación de la basura orgánica e inorgánica. En la parte superior cuentan con un contenedor para colillas de cigarros. ¿Identifican el patrón utilizado? Excelente forma de “firmar” su proyecto.


Realmente me agradó este proyecto porque atiende perfectamente las necesidades del cliente hoy al igual que mañana. Estoy seguro que la mayoría de los detalles funcionales que comenté fueron propuestas del estudio, no requerimientos del cliente. Su fabricación es igual de interesantes. Más adelante publicaré un post acerca de ella, estén pendientes.


Más info:
www.eosmexico.com

*Vean otros posts de EOS México aquí.

domingo 27 de marzo de 2011

Arik Levy en sus propias palabras


El diseñador Arik Levy habla acerca de su trabajo y sus inspiraciones en esta entrevista por Designboost. Levy es un todólogo, trabajando en proyectos multidisciplinarios que van desde lo gráfico hasta lo tridimensional en todas las escalas. Sus diseños varían entre lo comercial y masivo, y las ediciones limitadas y el design-art. Me gusta mucho su forma de expresarse acerca de su trabajo; “el diseño es un músculo incontrolable”.



Via Designboost


Más info
www.ariklevy.fr

viernes 25 de marzo de 2011

27, la arquitectura europea jóven

27 despachos de arquitectura jóvenes en 27 países son capturados en film por un cineasta y dos arquitectos. Este documental busca capturar las ideas y procesos de los creativos que están diseñando el mundo del mañana.


Via Core77

Maruni: tradición japonesa y diseño contemporáneo

Maruni es una de las compañías Japonesas que admiro. Aunque su historia comienza en 1928, esta compañía sigue presentando nuevos diseños que mantienen un alto nivel de calidad en su fabricación artesanal/industrial con colaboraciones de diseñadores de la talla de Jasper Morrison y Naoto Fukasawa.


Maruni tiene dos colecciones, Maruni Collection by Naoto Fukasawa y Nextmaruni con la colaboración de 12 diseñadores, así como una colaboración con Nendo. Aunque parezcan pocos diseños, Maruni ha sido ha tenido éxito en Japón y en el panorama internacional en eventos como la feria del mueble de Milán con sus colecciones.


Nextmaruni comenzó como una invitación a 11 diseñadores para crear una silla que transmita la estética japones. En este proyecto participaron Alberto Meda, AZUMI, Harri Koskinen, Jasper Morrison, Kanji Ueki, SANAA, Masayuki Kurokawa, Michele De Lucci, Naoto Fukasawa, Shigeru Uchida y Tamotso Yagi. El numero 12, Sean Yoo, obtuvo su lugar después de haber ganado un concurso internacional organizado por la misma compañía.


Esta línea presenta diferentes manera de ver el estilo japonés a través de una silla. Esta formula se repitió en años posteriores con sillas con descansa y con sillas lounge.


Naoto Fukasawa, probablemente el diseñador Japonés con mayor éxito hoy en día, diseñó la línea Hiroshima para Maruni en el 2008. El elemento principal de esta línea es una silla con descansa brazos, que tiene cierto aire a los diseños de Hans Wegner. Esta diseño parece ser esculpido, con una forma clásica con aire contemporáneo y en los años siguiente se añadieron mesas y variaciones de la silla a la colección.


Su silla para comedor es igual de impresionante.


Nendo es otro despacho japonés exitoso con el cual colaboró Maruni recientemente en la producción de la Cord-chair. Esta silla ultra ligera logra esta apariencia delgada por medio de refuerzos de metal dentro de sus patas de tan solo 15mm de diámetro. Su producción es compleja, así que cada silla es prácticamente elaborada artesanalmente.


En la siguiente feria de Milán, Maruni estrenará nuevos diseños por Naoto Fukasawa y Jasper Morrison. Seguro serán de los highlights de la semana.


Más info:
www.maruni.com