miércoles 31 de agosto de 2011

El proyecto de la sabiduría por Andrew Zuckerman


El fotógrafo Andrew Zuckerman platico y fotografió a más de 50 de las personas más influyentes de nuestros tiempos para su libro y film Wisdom: The Greatest Gift One Generation Can Give to Another. Artistas, escritores, filósofos, políticos, creativos, activistas, músicos, empresarios y religiosos, todos de más de 65 años de edad, fueron sometidos al estudio móvil de Zuckerman quien retrato de una manera muy peculiar a cada uno. Aquí el trailer de Wisdom:


Recientemente compartió en la conferencia 99% varios detalles de la realización de este proyecto, aquí su platica:


No solamente es un gran proyecto que sirve de inspiración para cualquier persona de cualquier lugar del mundo que quiere llegar a ser algo impactante.. también es un testamento que las ideas claras son realizables con buena organización.


Más info:
www.andrewzuckerman.com

Via 99%

Visitando el estudio de Kazushige Miyake


Como parte de mi viaje a Tokio, he estado visitando diferentes compañias y diseñadores para platicar acerca del diseño en Japón. Hace unos días estuve en el estudio de Kazushige Miyake, uno de los diseñadores de la generación que estará dando mucho de que hablar en poco tiempo. Aunque ya había visto varios de sus diseños en MUJI, no fue hasta que visité la compañía Hiyoshiya (vean aquí el post) y vi su lámpara Moto que asocié su nombre con su trabajo.


Miyake estudió en TAMA, la escuela de diseño responsable por producir la mayoría de los talentos que le dan cara al diseño japonés como Naoto Fukasawa y Tokujin Yoshioka. Después de haberse graduado, paso un par de años en Londres, para después regresar a Japón a trabajar en la oficina de IDEO que encabezaba Fukasawa en ese tiempo. Cuando Fukasawa abrió su propio estudio, Miyake lo siguió y trabajo con el por varios años antes de independizarse en el 2005.


El estilo de Kazushige Miyake se puede asociar directamente con el estilo “supernormal” que Fukasawa, MUJI y Plus Minus Zero han presentado desde Japón para el mundo. Adentrados en el tema, Miyake hizo referencia a como el diseño retrata la forma en que vives, y así como el nuevo diseño japonés aunque se aleja de la artesanía y tradición, retiene el lifestyle de su cultura. También platico acerca de cómo aunque hoy se vive un gran momento en el diseño de su país, tiene poco más de 10 años que comenzó este boom post-crisis económica.


Aunque sus proyectos para MUJI tienen un acercamiento racional, Kazushige describe su proceso como “espontáneo”, basando sus ideas en lo que siente que puede hacer. Esta forma de pensar me pareció muy humilde e inspiradora. Actualmente tiene una relación fuerte con MUJI para quien diseña una gran cantidad de productos cada año (aunque por la naturaleza de MUJI son difíciles de ubicar). Fue realmente sorprendente el conocer su trabajo y darme cuenta que ya había visto muchos de sus diseños en las tiendas de MUJI.


Kazushige Miyake es un nombre que verán cada ves más en un futuro relativamente cercano. Próximamente tendrá una exhibición en Taiwan acompañando una colección de muebles que esta creando para un cliente del mismo país y también será uno de los dos estudios a cargo de los nuevos productos de la compañía Plus Minus Zero que serán lanzados a finales de este año.



Más info:
www.kazushigemiyake.com

martes 30 de agosto de 2011

Todd McLellan: desarmando y fotografiando objetos


A todos los creativos nos gusta hacer y deshacer los objetos que nos rodean, explorar sus entrañas y en ocasiones destruirlos. Todd McLellan hizo una increíble serie de fotografías (vean nuestro post previo) donde hace exactamente esto con varios productos como máquinas de escribir, radios y cámaras fotográficas. Aquí un video detrás de cámaras de la misma serie.


Por favor restrínjanse de intentar hacer esto con el primer aparato electrónico que se les atraviese.


Más info:
www.toddmclellan.com


*Poste previo en Designaholic

Omotesando: la arquitectura de la compras en Tokio


Caminar por la calle Omotesando en Tokio es como recorrer una exhibición de arquitectura contemporánea del más alto nivel. Casas de moda internacionales como Dior y Prada cuentan con todo un edificio para albergar sus diferentes líneas, y boutiques de diseñadores japoneses como Issey Miyake y Commes des Garçons ocupan varios espacios de menor tamaño a lo largo de dicha calle. Otro edificio que complementa esta zona high-end de Tokio es centro comercial Omotesando Hills que cuenta con una gran variedad de tiendas de moda. Aunque la mayoría de lo que se vende en Omotesando esta muy por fuera de mi presupuesto, no deje de recorrer varias veces esta calle apreciando la arquitectura y diseño de los espacios comerciales.


Una de las tiendas que comenzó a atraer proyectos con arquitectos importantes fue Louis Vuitton, quien empleo a Jun Aoki para diseñar esta boutique de más de 30 metros de altura. Aoki ha trabajado con la casa de moda francesa en varias boutiques para Japón, una en Nueva York y otra en Hong Kong. La boutique de Omotesando, abierta en el 2002, tiene un diseño peculiar que asemeja varias cajas o jaulas rectangulares apiladas.


Omotesando cuenta con varios diseños por ganadores del premio Pritzker, como el dúo Herzog & De Meuron, responsables del increíble edificio de Prada. Tengo que decir que es una de las construcciones más impactantes que he visto en mi vida. Este edificio de forma asimétrica difícil de describir tiene una estructura de diamantes horizontales de cristal cóncavo que le da un efecto visual muy interesante.


Al mismo tiempo, estos rombos de vidrio permiten ver con una ligera distorsión adentro de la tienda con sus 6 pisos e interiores en blanco. Algo que también ayuda a que luzca este edificio es el espacio abierto por el cual se ingresa a un costado del edificio, algo muy raro en Tokio.


En el 2004 se inauguraron otros dos edificios/boutiques en Omotesando por arquitectos Japoneses. El primero fue Tod’s por Toyo Ito, quien se inspiro en los árboles para este diseño. Las dramáticas “ramas” de concreto parecen envolver el edificio, cerrando los espacios abiertos con cristal. En reciprocidad con su diseño, los árboles al frente del edificio no fueron removidos.


Otro despacho japonés que admiro, SANAA (vean aquí el post acerca de la plática que asistí), cuenta con un edificio en Omotesando diseñador para Dior. Aunque parece ser sencillo, lo que parece ser cortinas al interior de los ventanales es en realidad acrílico curveado que le da un sutil toque que requiere más de un vistazo para captar.


Tadao Ando diseño el edificio más grande de la calle, el centro comercial Omotesando Hills del 2005, que ocupa más de 250 metros de frente en la calle, con un total de 130 tiendas y 38 departamentos en su interior. El exterior no grita el estilo de Tadao Ando, aunque mantienen cierta sencillez. El material que más se aprecia en este frente es el vidrio, aunque los interiores de las tiendas lo tiñen de colores.


Su interior es poco deslumbrante. No deja de ser un gran diseño por este arquitecto, pero es difícil apreciar su arquitectura con decenas de anuncios luminosos de tiendas. Creo que después de ver el poder de la arquitectura de Tadao Ando en espacios de meditación y contemplación, es difícil digerirlo en situaciones comerciales.


El último gran edificio levantado en Omotesando es Gyre del 2007, por los holandeses de MVRDV. Este edificio parece escupir moda a la calle, con un diseño que rompe con la tipología que se había estado manejando en la calle. Sus 7 niveles están posicionados de manera que crean una serie de terrazas y volúmenes que son ocupados por diferentes tiendas como el MoMA Design Store, Chanel, Commes des Garçons y Bulgari, así como varios restaurantes y bares.


A diferencia de cualquier otra parte del mundo, las diferentes líneas de Commes des Garçons se pueden encontrar relativamente fácil en varias boutiques y tiendas departamentales a lo largo de Tokio. En Omotesando, aparte de contar con 3 pequeños y apretados espacio en Gyre, CDG tiene una boutique a un par de cuadras sobre la misma calle. Aquí muestra sus colecciones de alta costura, así como otros productos ready-to-wear y Play, su línea más básica. El diseño curveado de esta boutique puede ser confuso, pero sirve para crear diferentes espacios interiores. Por fuera, el vidrio curvo esta saturado por sus características polka dots que permiten ver parcialmente hacia adentro.


Issey Miyake cuenta con 5 espacios para sus diferentes líneas, todos a no más de unos cuantos metros del otro. De este ensamble resalta la tienda de Please Pleats, de la cual habíamos hablado previamente por siempre estar montando aparadores impresionantes. Esta tienda estuvo a cargo del diseñador Tokujin Yoshioka.


Hacer “Windows-shopping” en Omotesando se convierte en una tour arquitectónico que pocas ciudades del mundo pueden ofrecer. Por más que me hubiera querido llevar más de una prenda de las boutiques que visité, quedé más que satisfecho de ver y entrar a edificios por varios arquitectos que admiro.

lunes 29 de agosto de 2011

Visitando la Good Design Expo 2011 en Tokyo


El pasado fin de semana estuve visitando uno de los eventos más importantes del diseño en Japón, la Good Design Expo, organizada por el Japan Institute of Design Promotion. Me impactó el hecho que este tipo de eventos y organizaciones no existen en México hoy en día, y en Japón tienen más de 50 años en función. Fueron creados en 1952 con la misión de utilizar el diseño como una vehiculo para sacar al país de la pobreza. Creo que todos podemos coincidir que han cumplid con mucho éxito dicha misión.


La expo es enorme. Los mas de 2,000 productos mostrados fueron seleccionados para esta segunda fase camino a la premiación del Good Design Award. Las categorías vas desde lo típico como artículos para el hogar y la cocina, deportivos, persónales, electrónicos, muebles, gráfico, interactivo, empaque y equipo médico, hasta categorías no tan fáciles de clasificar como diseño de experiencia, comunitario, social, investigación, educación y materiales. Al mismo tiempo se premian casas, edificios, transporte, etc.


Repito, la expo es enorme, abarca más de 17,000 metros cuadrados. Recorrerla me tomó varias horas. Aparte, la visitan más de 45,000 personas en tan solo 3 días.


Algo que me gusto mucho es que casi todos los productos los podías tocar, mover y probar.


Definitivamente es difícil decir que los miles de productos me parecieron geniales, pero si es importante reconocer la capacidad de la industria en Japón por producir tantos nuevos productos cada año. Había productos de todas las compañías japonesas que puedas nombrar; las típicas electrónicas como Sony, Panasonic, Canon, Nikon y Hitachi tenían muchos productos participando, y empresas pequeñas, pero con el diseño bien grabado en su DNA como Plus Minus Zero y Muji tenían pocos pero deslumbrantes productos en exhibición.


Entre tantos miles de objetos y nombres de compañías y diseñadores, resaltaron los que conocía previamente y había visto en revistas y blogs como los celulares de Tokujin Yoshioka, los abanicos de Naoto Fukasawa y la línea de productos que realizo Nendo para Elecom.

Celular por Tokujin Yoshioka

Abanicos por Naoto Fukasawa para +-0

Nendo para Elecom

Durante el evento hay una serie de platicas y mesas redondas en el centro de la sala de exhibiciones.


A los Good Design Awards entran alrededor de 3,000 productos por más de 1,000 compañías, los cuales son revisados por un panel de 60 expertos, encabezados este año por el mismo Naoto Fukasawam quien describe los premios así:

Designs are ideas that enrich our lives, and designing is the very act of giving specific shape to those ideas. They enrich our lives, but not only in the financial sense. They enrich our lives by bringing a relevant balance of harmony to the mutual relationship between people, things, experiences, and the environment that encompasses them all. "Relevant" is the operating word in defining this enriched lifestyle, and whether things and experiences are relevant to a given environment can only be assessed through people's experiences over months and years of time. Things that are relevant will continue to last, and things that are not will disappear. 

Good Design Expo gives us the opportunity to question and determine what are and are not relevant to our future lives.


Este año, después de la tragedia del terremoto de marzo, el JIDP incluyó una exposición de objetos producidos en el área afectada con la intención de promoverlos y brindar prosperidad a las personas involucradas en ellos.


Más adelante se darán a conocer los elegidos a portar la "G-Mark".


Visitar el Good Design Award me hizo asimilar y comprender muchas cosas con respecto a la industria del diseño en Japón. Más que promover la compra de buen diseño, esta organización promueve que se diseñe y fabrique con alta calidad en el país. En otras palabras, no se trata de vender mucho, se trata de diseñar mejor y crear beneficios para todos los involucrados; usuarios, diseñadores y fabricantes. Algo así estaría perfecto para nuestro país.


Más info:
www.g-mark.org

domingo 28 de agosto de 2011

Justo mi tipo


No se cuando comenzó esto de hacer trailers para los libros, pero me gusta. Aquí lo más reciente de Simon Garfield “Just My Type: A book about fonts”, que recibe una divertida animación mostrando 999 fuentes en 60 segundos.



Me recuerda a la pregunta ¿y tu que tipografía eres?


Más info:
www.simongarfield.com

Via Pentagram

jueves 25 de agosto de 2011

Adiós Steve


Aunque ya lo veíamos venir, no deja de ser noticia el que Steve Jobs deje su puesto como CEO de Apple para tomar un rol más pasivo en la mesa directiva de la compañía. Soy un fan declarado de sus keynotes, por más “diseñadas” que estas sean.. así que me gustaría compartirles uno de mis favoritos:


Definitivamente palabras muy inspiradoras.

Sugerencias, tips y consejos para (publicar) tu portafolio de diseño


Continuando con el post de la semana pasada donde compartimos algunos tips para organizar tus proyectos y crear tu portafolio de diseño, esta semana tenemos algunas sugerencias de sitios y plantillas para publicar tu trabajo online. No solo esta en el interés de los jóvenes mejorar su portafolio, también los diseñadores y estudios consolidados están prestando atención a este tema; aquí algunos comentarios que recibimos de ellos via Twitter:

“El portafolio debe estar enfocado y dirigido en proyectos y concepto a la persona o empresa que lo va a leer y revisar.” – Mauricio Lara, Eos México

“Cuando se presenten proyectos realizados en equipo hagan mención y especifiquen en que participaron.” – Ariel Rojo


Entre más muestren su portafolio, más (y mejor) retroalimentación tendrán, lo cual les permitirá ir mejorándolo continuamente y la mejor manera de lograrlo es publicandolo en línea. Un error común entre creativos es el guardarse sus ideas por medio a que alguien las copie.. en mi opinión, el no mostrar tu trabajo perjudica más que cualquier copia posible. Como estudiante o recién graduado, no sirve de nada tener un increíble portafolio si no esta accesible para que alguien interesado en ti lo vea, o alguna publicación (como este blog) lo incluya. No estoy diciendo que omitan el crear un documento impreso y digital (pdf) para su portafolio, al contrario, me gustaría animarlos a complementar el mismo con estas sugerencias ya que nadie le gana a la inmediatez de estar presente en línea a todo momento. Esta también es una forma fácil de armar un “catalogo de proyectos” como el que mencione en el post anterior.


Creo que no hay excusas: cada día hay más plataformas y herramientas para colocar tu trabajo en la web sin mayor esfuerzo. Estoy seguro que si platican con cualquier maestro o profesional que tenga tiempo en esto van a darse cuenta que antes no había tantas posibilidades como las que ofrecen hoy sitios como Behance y Coroflot que de alguna forma combinan ciertas opciones de redes sociales que son excelentes para obtener retroalimentación de tu trabajo. Otras herramientas como las plantillas de Indexhibit, Cargo y hasta Wordpress te permiten crear y personalizar tu sitio web y hacerlo ver “profesional”. Obviamente también puedes combinar varias de estas plataformas para atraer más visitantes y poder hacer llegar a más personas tu trabajo. Otra cosa que les puedo sugerir abiertamente es no usar Flash ni un diseño muy cargado para lograr que sus proyectos “luzcan” y puedan ser vistos en cualquier navegador, computadora o tablet/smartphone. Estoy seguro que hay muchas opciones, pero no me gusta hablar de lo que no conozco, así que me enfocaré en dos plataformas gratuitas en las cuales he estado publicando mi trabajo por algunos años.


Coroflot es la madre de todas las plataformas online para publicar tu trabajo. Creado por el blog Core77 en 1998 (¡mas de 10 años!), el sitio alberga unos 150,000 portafolios de todo tipo de creativos. Al mismo tiempo cuenta con un job borrad donde puedes aplicar directamente a vacantes en compañías importantes de diseño. Subir y organizar las imágenes de tu proyecto es bastante sencillo, puedes hacerlo en folders e incluir texto. Tu perfil también te permite poner tu CV, intereses, información de contacto y links a otros sitios, así como visualizar las visitas al mismo. La gente puede darle like a tu trabajo, mandarte un inbox y “seguirte”.


Aunque la plataforma de Coroflot no ha cambiado mucho en los últimos años, el sitio sigue siendo un importante promotor de talento joven. En mi experiencia personal, varios de mis proyectos han sido promovidos en la galería de miembros, lo cual subió exponencialmente las visitas a mi perfil y a raíz de esto, Core77 publico uno de ellos como parte de su sección de Flotspotting donde buscan proyectos dentro de Coroflot. Una de mis sugerencias es mantener un orden o secuencia, y estilo para cada proyecto y así mantener el “look” de portafolio.


Behance surgió a raíz de la visión de Scott Belsky de ayudar a los creativos a “ejecutar” sus ideas. Es mucho más nuevo que Coroflot, y prácticamente cuenta con todas las funciones básicas que comenté, pero también cuenta con más herramientas y opciones para darle una buena apariencia a tus proyectos, así como el plus de poder publicar videos. Su job board te manda alertas cuando alguna vacante concuerda con tu perfil y hasta puedes vender tus diseños directamente del sitio. Actualizar y modificar las galerías es muy fácil, así como empatarla con otras plataformas social como Linkedin, Facebook y Twitter.


De igual forma, estoy muy satisfecho con lo que Behance me ha dado como plataforma para promocionar mi trabajo. Aparte de seleccionar algunos de mis proyectos para aparecer en la página inicial de “Featured Projects”, sus sitios afiliados como Industrial Design Served han promovido mi galería personal, atrayendo muchas visitas y likes a ella. De aquí he recibido correos con gente interesada en mis proyectos y otros sitios han extraído información e imágenes de ellos para publicarlos.


Recientemente lanzaron ProSite, donde combina la plataforma existente con la capacidad de personalizar aún más tu sitio web y hospedarlo dentro de tu URL (con un costo extra). 


No es fácil dar el paso de mostrar tu trabajo a todo el mundo, pero entre más pronto te organices y lo hagas, más pronto comenzarás a mejorar y beneficiarte de estar online. Gran parte de ser diseñador es recibir criticas y comentarios de tu trabajo, y estos sitios lo facilitan a un nivel en el que puedes entablar “critiques” muy constructivos con gente de todo el mundo, además de crear una fuerte red de contactos con gente que comparte tu amor por el diseño.

Así que den el primer paso organizando sus proyectos y creando su portafolio, y compleméntenlo publicándolo en línea en alguno de estos sitios:

www.coroflot.com
www.behance.net


*Aquí nuestro post anterior con tips y sugerencias para crear tu portafolio de diseño.

martes 23 de agosto de 2011

El culto al Air Force One


No, este post no se trata del avión presidencial. Para contrastar con lo que escribimos ayer acerca de las nuevas tecnologías en zapatos, hoy tenemos una serie de 3 mini-documentales del zapato deportivo de culto Air Force One de Nike. Diseñado por Bruce Kilgore, el AF1 fue el primer zapato en utilizar la emblemática tecnología de aire en la suela en 1982 y hoy en día es un “must” de cualquier sneaker-freak. Aquí su historia:

Air Force One: the promised land

Air Force One: the resurrection

Air Force One: love is love

Aunque los Converse Allstar y los Adidas Superstar sean muy populares, ninguno tiene los fanáticos que tienen los Nike Air Force One.

La seda: el material antiguo del futuro


Fiorenzo Omenetto comparte nuevos usos para la seda, uno de los materiales más tradicionales que todavía usamos hoy en día y que según este investigador, existen muchos más usos para el futuro.



Via TED

lunes 22 de agosto de 2011

Diseño, escultura, arquitectura y tecnología en calzado


La nuevas tecnologías de impresión 3D estan dando cancha a la experimentación más allá de los productos, tal es el caso del diseño de calzado. Hace poco escribimos acerca de un bikini fabricado por medio de impresión 3D como una nueva categoría de “printed-to-wear”, pero en contraste, el calzado ha sido llevado a otro lado más artístico donde los diseñadores han experimentado con formas extremas.

El proyecto de graduación de la RCA de Victoria Spruce estuvo enfocado a obtener formas escultóricas en piezas de calzado. Spruce combino materiales como plástico y piel para contrastar lo tradicional y lo contemporáneo.


La compañía brasileña Melissa ha invitado a diseñadores como Gaetano Pesce y los hermanos Campana a crear zapatillas de plástico. El diseño de Zaha Hadid para Melissa es una traducción de su estilo de arquitectura llevado al calzado.


Julian Hakes diseño los zapatos Mojito para la marca sueca de la diseñadora Ann Sofie Back. Su diseño soporta solo los puntos de carga del pie y deja gran parte de la planta suspendida en el aire.


El holandés Marloes ten Bhomer encontró la forma de crear zapatos utilizando solo 3 pedazos de piel moldeados. El diseño comunica que fue realizado con un molde, y la rigidez de las capas de piel unidas aguata el peso sin necesidad de incluir otro material.



La diseñadora brasileña Andreia Chaves en colaboración con la compañía de impresión 3D Freedom of Creation, diseñó los “invisible shoes”, un par de zapatos fabricados con esta tecnología.


Otro arquitecto trabajando en calzado es Rem Koolhas, quien diseñó una pequeña colección para United Nude.


Cada vez hay más creativos incorporando nuevas tecnologías a su trabajo y productos y así expandiendo las posibilidades de fabricación y promoviendo la exploración de la forma como nunca antes lo habíamos visto en productos comerciales.